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El Devorador de Películas: Entrevista a Antonio Trashorras

septiembre 23, 2013

Antonio Trashorras (Madrid, 1967) es un cinéfilo consumado, o en sus propias palabras, un cinéfago: alguien que devora películas enteras y siempre está hambriento por más. Se le conoce por los guiones de Agnosia, de Eugenio Mira y El Espinazo del Diablo, co-escrita con Guillermo del Toro, entre otros trabajos.

Ahora, Trashorras da el salto a la dirección con El Callejón. Rosa (la actriz cubana Ana de Armas) es una aspirante a bailarina que decide usar la lavandería ubicada en el oscuro sitio del título. Es ahí donde conoce a un tipo misterioso que la hará pasar malos ratos. Lo que parecía una noche tranquila se convierte en algo mucho peor…

Es una premisa sencilla y minimalista, donde Trashorras muestra un claro afecto por distintos géneros y códigos del cine, en particular el hecho en Italia durante los años 70. Una película hecha por un amante del cine, alguien que respeta  a directores de género como John Carpenter tanto como a cineastas más consagrados artistícamente como Michelangelo Antonioni.

A continuación, una conversación con él acerca de su nueva película, el cine español de género y muchas cosas más.

La siguiente entrevista fue publicada en una versión resumida (y en inglés) en la página de Monster Pictures, ubicada en Melbourne, Australia. Esta es la versión completa.

 

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¿A qué directores o películas admiras, que te hayan influenciado? No sólo en El Callejón, sino en general?

Admiro a cinco mil directores de toda la historia. Me resulta muy difícil decir cuáles son mis directores favoritos o hacer una clasificación de los mejores. Creo que tengo una idea de lo que es una buena película o una mala película, pero eso no afecta a que a mí me guste más o menos una cosa. Yo sé perfectamente que algunas de las películas que más me gustan y algunos de los directores que más me han marcado desde el punto de vista artístico, pueden estar en un nivel menor que otros. A mí me puede influir mucho un director de cine poco prestigioso o poco respetable mucho más que, por ejemplo, Bergman o Antonioni.

¿Cuáles son mis directores favoritos? Te podría hacer una lista de ortodoxos. Bergman y Antonioni son dos de mis directores favoritos. Algunos momentos en El Callejón son muy Antonioni. La película está marcada generalmente por John Carpenter, por Mario Bava, es decir, todo está ahí metido y pesa más un tipo de cine que tiene menos prestigio que el de los grandes nombres. Al final lo que queda más son otro tipo de directores que hacen cine de género, de terror, un tipo de cine muy diferente al de autor. Yo creo que los que hacen cine de género también son autores. Todo lo meto, lo revuelvo y al final lo que sale es una ensalada con muchos sabores, que es como a mí me gusta el cine.

En una entrevista dijiste que El Callejón tiene bastante del cine italiano de los 70s, el llamado giallo.

A mí me gustan Darío Argento, Sergio De Martino, y por supuesto, Mario Bava, algunas de las películas que más me han marcado son italianas. Me interesa mucho el cine italiano, lo sigo mucho y particularmente el cine de género. También los grandes autores, Fellini me apasiona, Dino Risi y  la comedia italiana, pero el cine de género italiano está muy presente en El Callejón.

Noté que El Callejón es una co-producción con Colombia. Eso explica el que tengas ahí a un actor colombiano (Diego Cadavid). ¿Cómo fue el proceso de casting? El actor es colombiano, Ana de Armas es cubana y Leonor Varela es chilena. ¿Cómo se dio el que haya actores de sitios tan distintos en tu película?

En parte porque ya estaba en el guión. La protagonista era una chica americana de un país que podía ser Venezuela, Colombia, Perú; un país americano de habla española. Hice una primera versión del guión donde los dos villanos eran franceses, pero cuando se pasó a co-producir con Colombia, se pensó en incluir un actor colombiano. La otra actriz no fue fácil de encontrar y yo intenté que sea Leonor Varela, porque es una actriz que me gusta mucho, una mujer que tiene una presencia muy fuerte. Ella es chilena, pero domina varios idiomas y acentos. Con Leonor se completó este trío donde ninguno es español. Es una mezcla muy extraña y como a mí me gustan las mezclas, me interesaba mucho mezclar géneros, mezclar tonos y mezclar países y nacionalidades.

 

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Vi la película. Desgraciadamente la tuve que bajar, porque si no no hay manera de conseguirla acá.  Me di cuenta que tiene varios cambios de estilo. Por ejemplo, empiezan los créditos y parece película de los 60s. Cuando Ana de Armas conoce a Diego, casi parece película romántica. Después se trata de un psicópata que la está asediando, de repente se transforman en vampiros así que se convierte en otra cosa y luego la escena que muestra como Leonor Varela convierte al chico, todo es bastante gótico. ¿Fue esa tu intención? ¿Te gusta trabajar mezclando estilos así?

Absolutamente, sí. Es la película que sale de la cinefagia y de ser un cinéfago. Hay cuatro, incluso cinco, tonos diferentes. Cinco referencias distintas a épocas del cine. El principio también tiene un punto realista-social, está hablando de una chica que trabaja en un hotel, que no le gusta su vida, que tiene problemas con su novio…

Y que además está de inmigrante.

Efectivamente. La película va cambiando a medida que avanza y vamos pasando por etapas y tonos distintos de la historia del cine. Yo creo que hay una especie de unidad estilística-visual porque la película tiene el mismo tono de colores y estilo sonoro, pero en cada una de sus partes yo juego un poco a evocar distintos tipos de cine que me gustan mucho y me han marcado.

El género del terror masivo hoy en día está bastante centrado en presentar algo filmado cámara en mano, poner al espectador ahí mismo, lo que se conoce como found footage. Dos de cada cuatro películas de terror son así. Veo tu película y se siente casi como un recuerdo de películas anteriores. Como ya dijiste, terror italiano de los 70s, pero también un poco de cine ochentero. ¿Fue tu intención filmar así o sólo nació?

Es una película filmada en un set. Rodamos en cuatro semanas, de las cuales una sola jornada fue en exteriores. El resto fue en interior, en un plató; se construyó el callejón y la lavandería. El estilo de la película está marcado por ser interior, por estar hecha en un plató. Me gusta mucho la estética y el resultado visual de rodar en interiores. Lo que tú dices es que la película parece no tanto realista, como poco artificial.

 Pero no en el mal sentido de la palabra.

No, en el sentido bueno. A mí me gusta también el que mucho cine italiano está hecho en un plató, no en exteriores. Yo creo que incluso cuando ves hoy películas como, por ejemplo, Robocop, película de los 80, o Total Recall de Paul Verhoeven; esas películas tienen mucho plató. Hay mucha escena de acción y muchas cosas que ocurren en calles que están construidas. A mí me gusta mucho meter en el callejón la cámara y nunca ver el cielo. Estamos iluminando de manera artificial y el resultado creo que es más de sueño, menos naturalista. A mí no me interesa el naturalismo, no me gusta el realismo; a mí me gusta que todo sea cine, y el cine es mentira, el cine es falso. Por eso me gusta lo fantástico, por eso me gusta el terror. Lo que intento es, hasta en una película que tiene su parte de realismo, una chica que lava la ropa en un callejón, en una lavandería, que hasta eso tenga una sensación artificial y de no realismo. Eso es producto de rodar en un plató. Si lo hubiese hecho en exteriores, en una calle real, en una lavandería real, el resultado habría sido más realista.

Pero eso no era lo que te interesaba.

No me interesaba. A mí me interesan sobre todo, las películas que no son realistas. Por eso me gusta el género fantástico. También hay muchos directores que admiro que son realistas, pero no me llegan tan dentro. Me gustan mucho los sueños, sobre todo los géneros que nos apartan de la realidad.

 

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Seguro esto ya te lo han preguntado antes: también noté que tu escribiste el guión de El Espinazo del Diablo. A mi esa película me encantó; para mí, Guillermo Del Toro es un genio. ¿Ha tenido alguna influencia para ti el trabajar con él? Considerando que ahora está donde está, uno de los directores más populares que hay. ¿Cómo fue la experiencia de trabajar con él?

No sé si me ha influenciado, pero me enseñó en su momento todo. A mí me han influenciado Mario Bava y John Carpenter. Pero yo cuando conocí a Guillermo, había rodado Cronos. Y cuando trabajé con él en El Espinazo sólo había hecho dos, Cronos Mimic. Él no me ha influido como cineasta porque a mi me han influido cineastas que en esa época ya estaban consagrados. Guillermo lo que ha hecho es enseñarme, que es muy diferente. Cuando se rodó El Espinazo estuve con él en todo el rodaje. Como era su primera película en España, él en algunos diálogos, sobre todo en el lenguaje, pasar de mexicano a español, pues le venía bien tener a alguien a lado que le diga, “Pues esto en España se dice así”. Estuve con él, aprendiendo prácticamente como se dirigía una película, del día a día con él; por eso no digo que él me ha influido, él me ha enseñado. Prácticamente todo lo que sé de la técnica y de cómo se rueda día a día una película y de cómo se comporta un director, como intentar sacar lo mejor de un equipo, y pequeños trucos y argucias de director, todo eso me lo ha enseñado Guillermo y todo es de haber estado al lado de él.

Vamos, Guillermo era muy joven en ese momento. Posiblemente ahora mismo las películas de Guillermo las veo como si viera las películas de un director de los 80 o 70, porque ya es un director con mucha más filmografía. Ahora ya si me puede influir Guillermo como me influye, no sé, David Fincher, por ejemplo. Para mí, cuando veo Pacific Rim Hellboy, es como si viera una de Fincher, me quedo con lo mejor y eso me está influyendo. Pero en aquel momento, no estaba incluyendo a Guillermo. Lo que hacía era enseñarme, una relación profesor-alumno. Y luego hay una amistad entre nosotros, somos amigos.

¿Qué comparación puedes hacer entre el cine de género hecho en España y Europa y el que se hace en Hollywood, que no es el único, pero es el referente que casi todo el mundo tiene? Si tuvieses que encontrar una diferencia entre ambos, ya sea en temática o manera de filmar,  ¿Cuál sería?

Yo creo que la principal diferencia, que me parece muy importante, es el dinero que se invierte en cada película y como se recupera ese dinero. Es decir, una película americana, aunque sea pequeña e independiente, cuesta mucho más que una película española, de manera que busca un público más amplio para recuperar el dinero que se invierte. La película de terror española, al ser más pequeña, se puede permitir llegar a menos gente y ser menos familiar, menos mainstream. Se puede permitir ser más autoral también. El Callejón la he hecho con total libertad, pero gastando muy poco dinero, es una película muy barata. Yo sé que una película con la historia que cuenta El Callejón, si la hubiese hecho con más dinero y posiblemente para el mercado yanqui, hubiera tenido que hacer cambios de guión y me hubieran controlado ciertas decisiones creativas. De esta manera la he hecho con total libertad, como a mí me gusta. No busca una audiencia mayoritaria, sino busca un tipo de comprador muy determinado. No es minoritaria, hay mucha gente en el mundo que gusta de películas así, pero no compromete mi libertad creativa buscando una audiencia masiva. En cambio, si fuera una película de más presupuesto, americana, pues seguro que no se parecería a lo que es, sería más normal.

En una entrevista dijiste que, como era la primera vez que dirigías, querías hacer justamente un proyecto pequeño, algo que se pueda filmar rápido.

Sí, lo más rápido posible para que no te exijan una rentabilidad y no te exijan una serie de cosas que se le piden a las películas grandes. A partir de cierto momento, el director creo que pierde su libertad porque la inversión de dinero es tan grande, que existe mucho miedo en la producción de que aquello no guste mucho a gente. El hacer una película para que guste a mucha gente es la primera manera con la cual un director pierde su identidad. Si quieres gustar a todo el mundo, dejas de ser tú. Si tú tienes cinco amigos, son amigos muy buenos y tú puedes ser como eres con ellos. Si quieres tener cinco mil amigos, ellos requerirán de ti el ser muchas cosas. Llega un momento en que no eres tú, porque agradar a mucha gente es muy difícil. Y eso pasa con las películas y con los directores.

Antes de ser escritor y guionista, también fuiste crítico de cine.

Sí, lo sigo siendo. Me gusta mucho escribir sobre películas.

¿De que manera te ha afectado a la hora de hacer cine? ¿Te ha formado, digamos?

Yo creo que no. Creo que no tiene nada que ver con adquirir una formación. Ver muchas películas como crítico crea un mejor crítico, pero para dirigir películas tienes que verlas de otra manera. No como crítico, sino como alguien que luego va a querer hacer películas. Fijarse como son visualmente, como se han hecho los planos, acceder un poco al lenguaje y sobre todo entrar dentro de la industria y conocer cómo funciona el oficio de la cinematografía. Escribir sobre películas es algo más literario. Muchas veces digo que, lo de menos es lo que un crítico diga sobre si le gusta o no le gusta una película. Lo importante es la crítica en si; es una pieza de literatura. A mí me gustan mucho los críticos que escriben bien y te muestran un punto de vista, con el propósito de decirte algo de una película, pero también mostrándose ellos como doctores de su crítica.

 

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